. Louise Valentina - Humberto Giancristofaro

A sobrevivência do tempo

Crítica da peça Louise Valentina

Versão para impressão

Autor: Humberto Giancristofaro

Atrizes: Rosanne Mulholland e Simone Spoladore. Foto: Hannah Jatobá

Questões formais

Na peça Louise Valentina, o diretor Felipe Vidal usa recursos cinematográficos que sugerem uma percepção diferenciada do espaço cênico. Ele acrescenta uma profundidade de campo ao palco ao projetar quatro sequências de curtas-metragem dirigidos por Marcela Lordy. A profundidade de campo foi uma técnica inovadora de filmagem que surgiu no cinema da década de 40; ela permite que o espectador de cinema veja um só plano que põe em relação o plano de fundo com o primeiro plano, passando por todos os três tipos de plano: geral, médio e close. Este procedimento foi desenvolvido por Orson Welles que, ao por a câmera em um ângulo diagonal preciso, conseguia atravessar todos esses níveis e mantê-los em foco. Foi bem explorado por ele no filme Cidadão Kane para acrescentar diferentes níveis de situação e de tempo em uma única imagem. Esta alteração na forma de se filmar não se propõe mais a dar conta da espacialidade em sua totalidade, mas sim de permitir explorar de forma contínua cada região do passado, unindo o próximo ao longínquo, para assim dar conta do tempo em sua totalidade. Felipe Vidal usa, no fundo do palco, uma tela para criar um duplo da caixa preta, como um universo paralelo, onde as ações podem ser alçadas para outros níveis de percepção. Ele manteve em foco tanto o palco como a tela. São níveis de planos que se conjugam para criar as cenas interpretadas por Simone Spoladore. Nessa profundidade de campo teatral é que será construída a biografia de um personagem. Dentro desse espectro ampliado, tempos diferentes se conjugam na trama de Louise Valentina. Nesta profundidade de campo são colocadas não só imagens, mas lembranças, de onde surge uma percepção específica da ordem do tempo: uma percepção dividida em dois cronosignos. Essa foi a idéia do filósofo Henri Bergson no capítulo III – da sobrevivência das imagens, no livro Matéria e Memória, para diferenciar os lençóis do passado das pontas de presente, isto é, “a distinção entre coexistência virtual dos lençóis de passado e as pontas de presente como estados mais contraídos de toda a memória” (LA SALVIA, 2006: 58). Estes lençóis se referem aos antigos presentes que são trazidos à tona. Essas referências podem vir de diversos pontos de vista e originar lençóis de passado coexistentes, articulados através da dramaturgia. Gilles Deleuze é quem melhor esclarece essa dinâmica:

“O passado não se confunde com a existência mental das imagens-lembrança que o atualizam em nós. É no tempo que ele se conserva: é o elemento virtual em que penetramos para procurar a “lembrança pura” que vai se atualizar em uma “imagem-lembrança”. E esta não teria sinal algum do passado, se não fosse no passado que tivéssemos ido procurar seu germe (…). Desse ponto de vista, o próprio presente não existe a não ser como um passado infinitamente contraído que se constitui na ponta extrema do já-aí. O presente não passaria sem essa condição. Não passaria se não fosse o grau mais contraído do passado. Com efeito, é digno de nota que o sucessivo não seja o passado, mas o presente que passa. O passado, ao contrário, se manifesta como a co-existência de círculos mais ou menos dilatados, mais ou menos contraídos, cada um dos quais contém tudo ao mesmo tempo, e sendo o presente o limite extremo (o menor circuito que contém todo o passado). Entre o passado como pré-existência em geral e o presente como passado infinitamente contraído há, pois, todos os círculos do passado que constituem outras tantas regiões, jazidas, lençóis estirados ou retraídos: cada região com seus caracteres próprios, seus “tons”, “aspectos”, “singularidades”, “pontos brilhantes”, “dominantes”. Conforme a natureza da lembrança que procuramos, devemos saltar para este ou aquele círculo” (DELEUZE, 1990: 121).

É com base nos lençóis do passado que os personagens de Louise Valentina evocam as imagens-lembrança para reconstruir os antigos presentes no presente atual. Este fato é crucial para chegarmos ao tempo puro e, compreender que o presente é uma coexistência desses passados; consequentemente apresenta todo o tempo no mesmo momento. Daí a pergunta “quem é Louise/Valentina?” estar presente em cada passado e ser o futuro, tudo ao mesmo tempo em cada cena.

Esta temporalidade alcançada se encontra em estado de crise permanente, ou seja, o presente é uma onda no tempo. Como consequência, os lençóis do passado continuam ali, mas não são evocáveis, o passado surge em si mesmo, autônomo, ele está junto com o presente na composição do personagem, num estado do tempo ainda mais fundamental. Contudo Gilles Deleuze já fez a pergunta “como tornar inevocável seu próprio passado?” (DELEUZE, 1990: 139). É preciso trazer todo o tempo para o agora, para a cena – com isso a narração deixa de ser o primeiro elemento da peça. As cenas valem por si mesmas como a apresentação de um tempo ilimitado, como uma pré-história, não no sentido cronológico, mas uma profundidade de campo, onde todos os tempos se tocam.

Questões de conteúdo

Logo no início da peça, a relação entre esses planos começa a se estabelecer: deitada, prensada de encontro a uma parede de vidro debaixo de sua cama, Simone Spoladore situa os limites que o seu corpo pode usar para se expandir entre largura e comprimento; suas costas coladas ao vidro delineiam uma similaridade com o perfil da personagem dos quadrinhos Valentina. Ela liga seu corpo à extensão do corpo de Valentina. Esta relação entre as dimensões alcançáveis projetam Simone de um plano a outro, do palco ao papel e à tela, ampliando as possibilidades de mundos presentes. Os filmes prolongam as cenas para uma dimensão além do espaço cênico, se assemelham a sonhos da personagem em cena. É nesse intercâmbio abstrato e volúvel que o diretor cria a biografia de uma nova vida sobre uma nova personagem híbrida de ícones.

O cinema clássico é um cinema de ação, que expõe, apresenta situações sensório-motoras: imagens agem e reagem umas sobre as outras, criando um encadeamento, uma sucessão lógica entre a percepção e a ação. O esquema sensório-motor é uma relação entre a percepção das ações e as suas afecções, o que forma, no cinema clássico, uma unidade das imagens, uma unidade organizada. Os pequenos filmes projetados na peça partem do universo de um clássico como A Caixa de Pandora para aos poucos compor a sensação de um espaço descontínuo. As imagens, criadas pela junção dos filmes e do que está em cena, aparecem desconectadas, libertando os sentidos da motricidade. Livre de cronologias, a peça pode apresentar “tempos simultâneos”. Nela, o passado e o presente coexistem, são contemporâneos na própria cena. As personagens – seja Louise ou Valentina – não respondem com ações, e sim com contemplação, são personagens que procuram enxergar a situação mais do que reagir a ela. É com esse olhar que Valentina se inspira e assume para si o personagem Lulu de Louise Brooks; na mesma proporção, Louise, ao se ver como fonte de inspiração de uma nova personagem de quadrinhos, traz à tona suas memórias, atualizando o seu passado.

A peça joga com a potência dessas lembranças e se aventura numa busca da identidade e da origem de uma memória. A resposta alcançada não é o mais importante, é essa reflexão sobre como se constrói a personagem que é o intrigante. Talvez Valentina tenha “atualizado” Louise, como sugere a voz em off de um dos filmes: “Quem será Valentina? Será Louise Brooks perdida?”. Nessa peça as lembranças das duas se encontram. A impressão é de que elas sempre coexistiram.

Os sonhos de Louise, que por vezes se materializam em imagens na tela, criam uma identidade particular. No primeiro filme, a menina de sonhos leves e dançantes precisa coexistir com a saliente Lulu. Cada cena passa mais depressa que a anterior e evoca mais intensidade. Louise, como todos nós, tem que lidar com as múltiplas intensidades dos diferentes momentos da vida. Ela cresce, amadurece e conjuga. A peça instiga a reflexão sobre a nossa relação com o tempo. Louise se mostra uma mulher que não quer ser presa à cadeia sucessiva de eventualidades numa velocidade padrão – a velocidade da caixinha de dança mostrada na projeção –, mas ela descobre que a velocidade é a efemeridade dos movimentos, essa é sua chave para entrar e sair de seu tempo: ela passa a se movimentar como bem entende. Louise pode dançar seu próprio tempo. E dança. Vemos na tela a dança em rewind de Lulu que o editor se diverte em montar de forma circular para que dê a impressão de que ela está dançando freneticamente – talvez no filme original não passe de uma única pirueta. É assim que Louise constrói suas lembranças durante a peça: editando, prolongando, colando suas memórias com as de Valentina.

Valentina viu na sua adolescência um filme de Louise e decidiu que imitaria Lulu, cortou o cabelo e foi viver livre e feliz. Estes foram os sonhos de uma personagem de quadrinho. Simone Spoladore dá continuidade à sua Louise, aposentada das telas, na figura da Valentina. A porta na parede leva Louise para detrás das telas (literalmente) e por um efeito de luz e sombra – que também são princípios do cinema – ela atravessa para o plano dos quadrinhos, pois as sombras não têm profundidade e sua silhueta é alocada dentro de quadros. Com seu ritual de beleza, banho, maquiagem e poses, a musa se renova. Essa nova Lulu vive os seus sonhos. O segundo filme retrata todas as suas facetas: musa de cinema, mãe zelosa, mulher de sonhos, escritora, exibicionista, fotógrafa, surrealista e/ou revolucionária. Valentina é todas essas mulheres e não sofre o drama por ser diferente a cada instante. O terceiro filme projetado traz Valentina descoberta. Ela vive suas instáveis intensidades; quando uma quebra, ela constrói outra com os cacos da anterior. É o devir fetiche – construir um mundo com um recorte –, mas ela também se deixa recortar e ser caco das suas outras personalidades. Ela nos mostra a inquietante realidade em que estamos todos misturados, na qual nunca somos apenas uma pessoa, nem somos sempre nós mesmos.

Atriz: Simone Spoladore. Foto: Hannah Jatobá.

Referências bibliográficas:

BERGSON, Henri. Matéria e Memória – Ensaio sobre a relação do corpo com o espírito. Trad. Paulo Neves. São Paulo: Martins Fontes, 2006. (Coleção Tópicos)

DELEUZE, Gilles. A imagem-tempo. Trad. Eloísa de Araújo Ribeiro. São Paulo: Brasiliense, 1990.

LA SALVIA, André Luis. Introdução ao estudo dos regimes de imagens nos livros Cinema de Gilles Deleuze. 2006. Dissertação (Mestrado em Filosofia) – Instituto de Filosofia e Ciências Humanas, Universidade Estadual de Campinas, Campinas.

Leia também a crítica de Dinah Cesare e o texto de Felipe Vidal sobre o processo de criação dramatúrgica de Louise Valentina.

Outros textos críticos e informações sobre apresentações no blog da peça:
 http://louisevalentina.wordpress.com/

http://www.questaodecritica.com.br/2010/02/a-sobrevivencia-do-tempo/

RockAntygona- Barbara Heliodora

RockAntygona: Foco no militar empobrece tema, mas espetáculo é interessante e bem realizado

(OGlobo - 03/03/2010 05:00:09)

Faltou tragédia grega a esta Antígona

LUIS MELO e, ao fundo, Larissa Bracher: o ator, no papel de Creonte, está mais sacrificado pela concepção de direção de Guilherme Leme; a atriz tem uma figura digna e de bastante força

Barbara Heliodora

Ao realizar sua "RockAntygona" a partir não só de Sófocles como também de Brecht e, ao mesmo tempo, reduzir o elenco a três personagens, Guilherme Leme criou para si um problema de difícil solução: por um lado altera o texto, conduzindo-o para um debate sobre a guerra enfrentada por Tebas e o tema da obediência em termos militares, e por outro só deixa em cena os personagens especialmente construtivos do tema ligado ao conflito de obediência às leis dos deuses e às leis dos homens. O tom da encenação no Mezanino do Espaço Sesc procura unir as duas versões da história de Antígona, mas não consegue realmente cobrir a falta que faz a impecável unidade de ação de Sófocles, e toda a riqueza de pensamento nela contida e expressada também na parte final, abandonada, da tragédia grega. Proposto em nível militar, o tema fica menor, menos rico, menos profundo.

Trilha do Vulgue Tostoi ajuda no tom e na emoção da obra

A trilha sonora original, do Vulgue Tostoi (Marcello H. e Jr Tostoi) é forte e via de regra positiva para a criação do tom e da emoção da obra, porém nem mesmo assim dá para substituir os diálogos com outros personagens, cortados, que permitem melhor compreensão da trajetória do conflito básico.

A encenação de "RockAntygona" é despojada e bonita, com austera cenografia de Aurora dos Campos e figurinos corretos, mas não particularmente inspirados, de Tatiana Brescia, e boa iluminação de Tomás Ribas. A direção de Guilherme Leme opta por uma rigidez de comportamento nos personagens com clara intenção de criar o clima autoritário; a par da tensão dos personagens, as marcas buscam desenho um tanto geométrico, com o mesmo objetivo. Por outro lado, o texto é devidamente valorizado, dito com clareza e ênfase, mesmo que pecando pela pouca variedade.

As atuações estão condicionadas à concepção diretorial, sendo que o Creonte de Luis Melo é o que fica mais preso e sacrificado. Armando Babaioff (Hemon) executa a preocupação com o comportamento militar, mas mesmo assim consegue ter ao menos alguns momentos um pouco mais sensíveis, em sua defesa de Antígona. Larissa Bracher deveria ter um pouco mais de liberdade emocional, mesmo que sua defesa do irmão tenha base nas obrigações religiosas, e não apenas na afeição de irmã, mas, dentro do conceito da direção, se apresenta com uma figura digna e de bastante força.

"RockAntygona", mesmo com tais ressalvas, é um espetáculo interessante e bem realizado.

RockAntygona- Macksen Luiz

RockAntygona: tragédia grega versão heavy metal

Macksen Luiz, Jornal do Brasil

RIO DE JANEIRO - Não se trata de adaptação reducionista da tragédia de Sófocles, mas de intervenção sonora e visual que torna o desafio de Antígona diante do poder discricionário, uma construção cênica de musicalidade atritante. O rock que se junta ao nome da filha de Édipo não é apenas um apelo de título, mas incorporação do desejo de contemporaneidade que ecoa por sonoridades para além do teatro. A força milenar do texto se mantém inalterada na condensação do trágico no camerístico, no enxugamento da ação no que se propõe como reflexos do exercício de poder.

É à volta dele que giram os atos de Creonte e de onde emana a desobediência e o determinismo de Antígona. Nesta contracena, que expõe as razões de estado, ou da baixa política, encobrindo o mando como valor que se justifica por sua própria manutenção, é a atitude transgressora das leis injustas que inicia o esfacelamento da autoridade personalista. Deste conflito, opondo Antígona, decidida a cumprir os preceitos de enterrar o corpo do irmão, a Creonte, que decreta que se proíba a realização do ritual, a versão de conserva a integralidade trágica, ainda que procure outras ressonâncias.

Com rigor e depuramento

A concepção do diretor Guilherme Leme se reveste de visualidade originada de instalações plásticas. A música preenche este espaço como complemento ambiental, ruído que capta dissonâncias e projeta o barulho das palavras. A presença de um DJ, que controla o som e também é narrador, atualiza o coro. A interpretação do elenco se integra a esse quadro de plasticidade impositiva como figuras hieráticas, traços firmes de mural reflexivo. O rigor é o elemento que ressalta na encenação de Guilherme Leme, transmitindo depurament o na arquitetura cênica de filigranado detalhamento. Apesar da abordagem formal ser predominante, o diretor não permite que se transforma em mero exibicionismo do bem executado ou em frieza ascética. O espetáculo instiga a reflexão e aquece a emoção através dos recursos plásticos e musicais, num geometrismo de meios, não de fim.

O cenário de Aurora dos Campos imprime horizontalidade à cena, estabelecendo profundidades, planos e transparências dramáticas de requintado impacto. A iluminação de Tomás Ribas valoriza a cenografia com luminosidade vigorosa de poética beleza. O figurino de Tatiana Brescia talvez pudesse ser menos conotado para os atores, especialmente para Creonte, mas o despojamento da túnica vermelha de Antígona contrasta bem com as cores escuras da ambientação. A trilha sonora original de Marcello H. e Jr. Tostoi pulsa ao ritmo dramático da batida heavy, interferência precisa na sua contundência. Marcelo H., que manipula a mesa de som e informa sobre o desenvolvimento das cenas, tira partido da projeção da voz e da trilha como mais um ator no palco.

Armando Babaioff, mesmo com a discutível apresentação coreográfica de Hémon, demonstra segurança e sutileza para expor as mudanças por que passa o filho frente a inflexibilidade do pai. Larissa Bracher tem, como Antígona, interpretação madura que dosa a obstinação moral com consciência de saber o que está reservado à personagem. A atriz, de maneira despojada e seca, confere dignidade à sua atuação. Luis Melo, um Creonte que em sua cena inicial adquire involuntário (mas pertinente) perfil de alguns dos nossos políticos, confirma a sua autoridade e densidade como intérprete, prejudicado em parte pela condensação da tragédia que não permite que a passagem da tirania ao declínio só seja possível para o ator vivê-lo como um tempo de registro momentâneo.

. RockAntygona -Lionel Fischer

"RockAntygona"


...........................................
Ousada versão de obra-prima


Lionel Fischer


Antes de analisar o espetáculo em questão, estou optando por me deter em um texto que consta do belo programa criado por Victor Hugo Cecatto. Tal texto, ao que suponho de autoria de Guilherme Leme, diretor da montagem, expõe de forma pertinente as premissas que a nortearam. Mas o que me chamou a atenção foi o fato de algumas palavras (ou frases curtas)estarem impressas em corpo bem maior que as demais, umas em branco, outras em vermelho - e aqui excluo os sobrenomes de alguns filósofos e estudiosos citados. Seria apenas uma decisão inventiva do programador visual? Ou quem sabe uma forma de ressaltar os conteúdos mais significativos?

Pois bem: renunciando às frases, das palavras do grupo "branco" constam Intolerância (duas vezes), Reações, Rebeldes, Cortantes, Reiventadas, Incessante, Indefesa, Arbitrária, Abusiva, Inspiram, Crença, Arrebatou, Jornada, Relendo, Insatisfação, Enfrentamento, Tempo, Crie e Manifesto. Já as vermelhas destacam Mudanças, Guitarra, Insatisfação, Lei, Imposição, Desobedece, Inspirando e Rompimento.

Isto posto, e antes que se tenha a impressão de que estou pretendendo criar uma espécie de quebra-cabeça, um jogo de possíveis correspondências entre o branco e o vermelho, gostaria apenas de ressaltar que todos os termos enfatizados, ainda que encarados isoladamente, têm estreita ligação com a essência da tragédia - a suposta exceção ficaria por conta de "guitarra", mas esta se insere com total propriedade no espetáculo.

Inspirada na tragédia "Antígona", de Sófocles, "RockAntygona" acaba de entrar em cartaz no Espaço Sesc, com direção assinada por Guilherme Leme e elenco formado por Luis Melo (Creonte), Larissa Bracher (Antygona), Armando Babaiof (Hémon) e Marcelo H, aqui denominado Mídia Eletrônica, que desempenha a função do Narrador.

Por tratar-se de obra por demais conhecida, não creio ser necessário resumir seu enredo. O primoritário é tentar compreender as razões que levaram Guilherme Leme a fazer uma redução tão drástica desta obra-prima - aparecem em cena apenas a protagonista Antígona, seu tio e governante Creonte e um dos filhos deste, Hémon, noivo de Antígona.

Partindo do pressuposto de que tal decisão não tenha sido tomada em função de baratear a produção, só nos resta supor que Guilherme Leme objetivou, através de uma síntese tão radical, demonstrar que a essência do pensamento do autor poderia ser materializada desta forma. E talvez inserí-lo visceralmente na contemporaneidade, ao valer-se de uma trilha sonora eletrônica que prioriza a inquietude, a agressividade e a urgência, assim como a quase que total impossibilidade de entendimento que caracteriza as relações humanas.

Trata-se apenas de uma hipótese e, como tal, sujeita a todos os enganos. Mas se algo ao menos parecido com o que acabamos de expor passou pela cabeça do encenador, só nos resta parabenizá-lo, dada a excelência do resultado obtido. Impondo à cena uma dinâmica angustiante e claustrofóbica, e apoiado na excelente performance dos intérpretes, Guilherme Leme oferece ao público uma versão capaz de gerar alguma polêmica, mas jamais merecedora do rótulo de "modernosa". E quem assim a encarar, certamente é porque cultiva uma das muitas palavras acima destacadas, como, por exemplo, a Intolerância.

No complemento da ficha técnica, destacamos com grande entusiasmo a belíssima trilha sonora de Vulgue Tostoi (Marcelo H. e Jr Tostoi), que enfatiza de forma contundente e exasperante os múltiplos climas emocionais em jogo, tornando-se quase que um personagem. A mesma excelência se faz presente na cenografia de Aurora dos Campos e na iluminação de Tomás Ribas, sendo corretos os figurinos de Tatiana Brescia.

ROCKANTYGONA - Inspirado na tragédia "Antígona", de Sófocles. Concepção e direção de Guilherme Leme. Com Luis Melo, Larissa Bracher, Armando Babaiof e Marcelo H. Espaço Sesc. Quinta e domingo, 20h. Sexta e sábado, 21h30.